Et si on allait au théâtre ?

Hamlet - Shakespeare
Mise en scène : Thomas Ostermeier (co directeur de la Schaubühne de Berlin)

Thomas Ostermeier est un grand metteur en scène qui nous donne de formidables spectacles. Il a choisi ici de déconstruire le texte de Shakespeare et de nous livrer la pièce dans un ordre un peu bouleversé. La mise en scène est résolument moderne avec au premier plan le cimetière tout en terre où a lieu la première scène avec la mise en terre du père d’Hamlet sur un fond de musique rockmétal et en fond de scène la table du banquet ou sont assis la mère d’Hamlet et son oncle avec les proches qui célèbrent le re-mariage de la reine sa mère et de l’oncle Claudius (assassin du père). Hamlet, caméra en main se filme en gros plan ainsi que les protagonistes alors qu’il dit pour la première fois la célèbre tirade de ‘to be or not….’







 
 On célèbre donc les funérailles en même temps ou presque que le mariage de la reine et de l’assassin du roi, c’est-à-dire l’oncle d’Hamlet. Tout est en place, et Hamlet fou de douleur et de rage veut se venger. Il simule la folie pour ne pas être soupçonné mais bascule bientôt dans une folie véritable.
 
Il n’y a que 6 acteurs sur scène mais ils se transforment tour à tour pour incarner les quelques vingt rôles de la pièce. Lars Eidinger qui joue Hamlet arrive à jouer son rôle dans de nombreux registres allant de la mélancolie, à la douleur, en passant par le burlesque et la folie assumée. Il est à la fois grandiose et inquiétant car il est pénétré et transpercé par le personnage d’Hamlet et il le joue jusqu’à la folie. On sent l’acteur lui-même possédé par son rôle et devenu parfois imprévisible même pour ses compères acteurs et aussi pour le public.

 





J’y ai vu un grand moment de théâtre, une pièce remise à neuf mais dont le metteur en scène a gardé et transcendé l’esprit. Un spectacle intelligent avec une troupe magnifique et un Hamlet hors du commun. A ne pas manquer s'il passe près de chez vous.

Un lien vers un article assez bien senti des Echos  ICI

Merci pour ton commentaire, Dom !
La mise en scène semble pas banale, même si la caméra à la main, c'est une technique qui semble se répandre, je l'avais vu récemment dans Les Damnés, à la Comédie Française.
Pour rester dans la Comédie Française, je me réjouissais de pouvoir voir La Cruche Cassée, de Kleist.
Mais :

"La production de La Cruche cassée s'avérant trop complexe, nous sommes contraints de déprogrammer le spectacle et présenterons Bajazet de Jean Racine du 5 avril au 7 mai."

Il y aura donc Bajazet, de Racine, mise en scène d'Éric Ruf, avec notamment Denis Podalydès.

Et je lirai la pièce de Kleist.

Quel dommage ! La dernière 'cruche' que j'ai vue, fut au Berliner Ensemble, mise en scène Peter Stein (oui, un ancien de la Schaubühne, c'est lui qui l'a portée aux cimes) et Karl-Maria Brandauer en juge Adam. Brandauer est un des tout grands acteurs autrichiens, une force de la nature.

La Comédie Française aurait dû importer la mise en scène de Stein avec les acteurs du Français, ça se fait couramment. 'Production ... trop complexe', non mais ils exagèrent.


@domreader
Merci pour ton aperçu du Hamlet de la Schaubühne.
Fin mars j'irai voir la dernière mise en scène en date d'Ostermeier, Le professeur Bernhardi d'Arthur Schnitzler. Je vous en parlerai car pour le moment tous ceux qui ont vu la pièce en sont sortis ravagés. Je préfère voir par moi-même.

J'ai également vu ce spectacle, avec grand plaisir, même très grand plaisir, et même si les côtés "grand guignolesque" de certains moments dérangent mais positivement.
Je vous signale que le 10 février, Thomas Ostermeir passait à l'émission Boomrang (9 h 10) et toujours ré écoutable sur leur site. Très intéressant quand il parle de cette mise en scène et de l'évolution du jeu des acteurs, principalement Hamlet, depuis 2008, date de sa création.

LE PORTEUR D'HISTOIRE, d'Alexis Michalik, Mis en scène par Alexis Michalik
 

Les Bas Fonds
Maxime Gorki
Mise en scène : Eric Lacascade


                 

Professor Bernhardi d'Arthur Schnitzler, une nouvelle mise en scène de Thomas Ostermeier avec l'ensemble de la Schaubühne de Berlin. L'actualité de cette pièce de 1912, alors interdite pas la censure autrichienne, est évidente, la mise en scène d'une sobriété qu'Ostermeier avait renié à Shakespeare (Hamlet et Richard III). La pièce se joue aussi surtitré en français, donc n'hésitez pas d'aller la voir si la troupe de la Schaubühne vient en tournée en France.

Pour les germanophones, voici la page de la Schaubühne avec un trailer explicite.

Babur a écrit:Professor Bernhardi d'Arthur Schnitzler, une nouvelle mise en scène de Thomas Ostermeier avec l'ensemble de la Schaubühne de Berlin. L'actualité de cette pièce de 1912, alors interdite pas la censure autrichienne, est évidente, la mise en scène d'une sobriété qu'Ostermeier avait renié à Shakespeare (Hamlet et Richard III). La pièce se joue aussi surtitré en français, donc n'hésitez pas d'aller la voir si la troupe de la Schaubühne vient en tournée en France.

Pour les germanophones, voici la page de la Schaubühne avec un trailer explicite.

J'espère qu'il passera par chez nous à la saison prochaine !!

Vu Une vie, de Pascal Ramber, à la Comédie Française (au Vieux Coombier).

Écrite spécialement pour six acteurs de la Troupe et un enfant, la pièce se déroule dans un studio de radio, le temps d’une émission monographique menée par un grand critique d’art.

L’invité est un artiste de renommée internationale et dont le style confine au figuratif. Les échanges avec l’interviewer libèrent la pensée, acceptent les silences. Cette rencontre est une remontée aux sources de la création, mais aussi de la vie de l’invité et des figures récurrentes de son œuvre, visages, jouissance, fleurs aux mille noms... Les personnes qu’il évoque prennent chair et dialoguent avec lui : la mère envahissante aujourd’hui défunte, le frère haï et haïssant, le premier amour femme-maîtresse peinte cent fois, l’enfant qu’il était ou encore le Diable, son meilleur ami...
En neuf tableaux, cette tentative de recomposer une vie est aussi une sublimation de la langue, que Pascal Rambert défend en privilégiant toujours une relation intime avec ceux qui l’incarnent : « je n’écris pas sur la vie privée des acteurs, j’écris pour leur voix, leur corps, leur énergie, précise-t-il, ce sont des êtres humains, pas des personnages de papier ». En prise directe avec le concret, ce théâtre nous assure de sa force en développant une plasticité du temps, une porosité entre l’art et la vie.

Honoré en 2016 du prix du Théâtre de l’Académie française pour l’ensemble de son œuvre, Pascal Rambert est publié en France aux Solitaires Intempestifs. Viennent d’y paraître Une vie et Actrice ainsi que Théâtre 1987-2001 (Le Réveil, John & Mary, De mes propres mains, Race, Le Début de l’A.). Clôture de l’amour y fait l’objet d’une réédition dans la collection « classiques contemporains » en juin 2017.

(source : https://www.comedie-francaise.fr/fr/evenements/une-vie )
Denis Podalydès (qui joue le Peintre) est très bien. Hervé Pierre, l'interviewer, aussi. Rien à redire de la mise en scène. Le seul problème de la pièce, c'est le texte. On assiste à l'interview d'un grand artiste, mais à quoi assiste-t-on ? A des considérations très banales sur ce qui fait une vie, sur l'art. Des digressions pas très intéressantes (que de longueurs !). Est-ce que cela signifie qu'un grand artiste peut n'avoir rien d'intéressant à dire ?
Des personnage arrivent : la mère ; le frère, un ami... Le Peintre enfant arrive aussi, et là ce n'est pas si mal, quelques instants.
Pascal Rambert est peut-être un auteur intéressant, mais pas avec cette pièce (qui a pourtant des critiques relativement favorables... je ne comprends pas - mais faut-il lire entre les lignes ?). Elle est beaucoup trop longue (1h50) pour le peu que l'auteur a à dire (quasiment rien, et rien d'original).

J'étais tentée....merci de ce commentaire eXPie. J'avais aussi peur du texte.

Je viens d'écouter le Masque ; il y a deux avis positif (Vincent Josse et Charlotte Lipinska), mais les autres (Jacques Nerson, Fabienne Pascaud et Jérôme Garcin) le descendent (ennui, plateau mal occupé, etc.).

J'avais oublié de préciser que la salle était en gros qu'à moitié pleine.

J'ai hésité à quel endroit je devais parler de ce spectacle, qui se base sur la Traviata de Verdi, mais en la transformant, en ajoutant des dialogues parlés, en prenant des morceaux dans la partition, et réduisant la partition d'origine (il y a juste quelques instruments) et en réécrivant des parties. Je préfère finalement la mettre dans la rubrique théâtre, tant les transformations me semblent importantes.

Je dois déjà avouer que je ne suis pas fan de Verdi en général, et de la Traviata en particulier. Que j'ai eu l'occasion de voir un certain nombre de fois, en spectacle ou sur petit écran. C'est difficile d'y échapper quand on s'intéresse à l'art lyrique. Quitte à faire hurler certains, je trouve son livret, comme d'autres livrets verdiens, chargé, avec l'objectif de provoquer des réactions larcymales chez le public avant tout, sans réelle subtilité. La musique me semble chargée aussi, parfois à la limite de la facilité, voire du kitsch. Bref, cette oeuvre me fait penser à un immense gâteau à la crème, avec tout plein de décorations, en sucre, fruits confits et autres pâtes d'amande, que j'ai un peu de mal à digérer. Il me faut une mise en scène et une interprétation d'une grande intelligence et finesse pour arriver à vraiment y entrer et à y trouver du plaisir. Je suis allée voire cette version, après des commentaires dithyrambiques et aussi parce que je m'intéresse au travail de Benjamin Lazar , le metteur en scène, et de Judith Chemla, la principale interprète.

Le spectacle suit finalement de très près la trame de l'opéra, en ajoutant des dialogues parlés, et en prenant dans la partition quelques morceaux, souvent emblématiques, en raccourci. C'est donc bien la même histoire qu'on nous raconte, d'une certaine façon, il y a une vraie fidélité à l'esprit de l'oeuvre. Les dialogues apportent toutefois une distance, un second degré, et permettent un approfondissement des personnages, enfin surtout le personnage principal. La musique est interprétée par huit instrumentistes qui sont aussi un peu comédiens et un peu chanteurs, à la réduction de la partition d'origine, s'ajoutent quelques parties créées spécialement pour le spectacle. Ce qui allège considérablement la musique, tout en gardant là aussi la trame d'origine toujours présente. Il est évident que les gens qui viendraient entendre une interprétation musicale de référence de l'oeuvre seraient déçus, c'est une adaptation, assumée comme telle. Pour ma part (mais j'ai expliqué mon rapport à l'oeuvre) cet version au final allégée, m'a plutôt séduite. Comme la scénographie, sobre mais belle, dans le cadre particulier du Théâtre des Bouffes du Nord, entre le voile sous lequel évoluent les personnages au premier acte, et les fleurs des suivants.

Judith Chemla est stupéfiante, elle est vraiment Violetta, physiquement, et par son jeu, qui ne semble plus en être un, tellement elle paraît être le personnage. Et son chant est extraordinaire, une voix très belle, une immense musicalité, et une grande expressivité. Elle ne pourrait pas vraiment chanter le rôle dans un vrai grand théâtre d'opéra, avec un grand orchestre, mais dans ce lieu plus réduit, avec un accompagnement modeste, c'est juste parfait. Sa Violetta vit les choses jusqu'au bout, aussi bien dans la recherche des plaisirs, dans une forme de cruauté et d'ironie, que dans son adhésion à l'amour, au sacrifice, à la souffrance. Elle veut aller jusqu'au bout de chaque expérience, pour la goûter complètement, quitte à se brûler et se consumer rapidement. Mais ressentir vraiment est à ce prix. Le spectacle tient en immense partie grâce à elle, ses partenaires ne sont pas vraiment à ce niveau, surtout Damien Bigourdan dans le rôle d'Alfredo, ce qui est probablement inévitable.

Mais c'est vraiment un excellent spectacle, d'une grande intelligence et sensibilité, respectant l'oeuvre tout en prenant une distance avec elle. La critique est dans l'ensemble plus que positive, le public enthousiaste, et il n'y a plus de places pour les représentations parisiennes.

wow... quel commentaire, merci pour la présentation
je viens de vérifier, malheureusement pas prévu chez nous, j'aurais été tenté d'y aller

Oui, dommage, je pense que tu aurais aimé.

Adaptation du roman de Houllebecq paru sous le même titre, la pièce est très fidèle au livre. Un livre fort, à l'écriture puissante et travaillée, dont le contenu dérange, car il aborde des sujets et questionnements qui touchent au coeur le coeur de notre société, dont il est difficile de nier la pertinence, même si on n'adhère pas aux analyses de l'auteur.

Le spectacle met étrangement en évidence, peut être parce que les acteurs donnent une présence aux personnages, une sorte de pathos, d'empathie avec les anti-héros dont on nous raconte des tristes existences. Ce qui tend à atténuer fortement le reproche de cynisme fait à Houllebecq, Ici, il y a comme une sorte de compréhension, de presque compassion, avec les pauvres créatures qui tentent de se trouver une place. Presque comme quelque chose de sentimental, en particulier dans les destins féminins.

Globalement cela fonctionne plutôt bien, et le spectateur, s'il accepte les présupposés de départ, est happé par le spectacle. Un petit bémol sur le volume sonore à certains moments, qui fait qu'à l'entrée on vous donne des boules Quiès, qui trouvent leur utilité. J'ai été moins convaincue que par le roman, mais c'est peu être inévitable.